“绿色有约”

　　当代文化思考研讨会纪要

　　（上接第37版）

　　辛民（著名艺术评论家）

　　我们一般参加什么书法家、画家的研讨会，没有像这样一个明确的主题，今天参加刘佑局老师主持的这种活动，说实话，如果没有一定的思想、没有一定的高度是不行的。原来你参加一些活动，都是美术杂志主编，要么就是其他专业人士主持的，今天应该是非常特殊，但是呢，又是一次非常前卫、非常诚恳的真正关注当下文化发展的一次研讨会。这个会又是一次跨界的研讨，因为本身标注为文化研讨，但确实又是从绘画角度来探讨，因为这个，我感觉就没有几个真正是科班出身，所以有时候谈到绘画这方面，对这个真正的当下的艺术了解不够，这个国画也不是每天要写生，也不是那么轻易地否定了传统的东西。你看书法，它是全世界唯一用文字就可以变成艺术品的，这种书法可能比绘画还要更高。并且它是一种非常独特的就是东方可能最有生命力的东西，能征服世界的东西。

　　现在这种文化呢，就说是多元化，这是我们无法回避的。信息时代，经济发展多元化一样，艺术，也必须共同化，就是价值体系的一体化。是不是能够一体化这个不一定，但是另外呢，就感觉就是不同肤色不同民族不同信仰的人呢，他的追求其实又是惊人的相似，他就是想过得更好，帮助更多的人，整个共同富裕，其实非常相似，这个没有多大区别。和平，全世界人都追求和平，追求富裕，追求自由，追求民主，就这样的。

　　我感觉这个对于绘画，如果从绘画角度，我们要探讨文化的话，首先是美术教育。我们学西方，把现代美术教育从西方引进来的是徐悲鸿。他引进西方这种教育体系，改变了我们传统临摹的那个教育体系。传统教育体系是师傅带徒弟的那种，以前中国就没有美术院校，中国的这个美术教育体系，它就是西方的。在西方的这种教育体系下，现在画国画、写书法的学生，其实在高等学校非常非常少。一个美术学院如果有1万个学生的话也不超过500人。它已经像京剧、像戏曲一样，已经像非物质文化遗产一样，只是很少有些人在研习、在传承。

　　现在我们看到的繁荣，是人们对传统文化对书画的这种热爱和崇尚的繁荣。所以，我们要关注实践者，关注如何让更多的人参与到实践当中来。只有我们现在美术院校美术专业毕业学生多了，从业人员多了，整个民族的素质、艺术修养才会有大的提升，才会在中国经济发展非常强势前提下，推动艺术的发展。

　　传统的东西不是洪水猛兽，它是非常好的，并且像刘佑局老师他就是从书法走出来，他的作品里面有很多书法的线条，如果没有书法这个功力的话，你这个线条不可能这么灵动，不可能有那么一种非常强烈的美感，那种形而上的感觉。我认为书法它可能就是艺术的最高境界之一，他应该比绘画这个层面要高，并且是非常独特。另外呢，也没必要把西方艺术、西方文化当成洪水猛兽。刘佑局老师他用行动来证实了这一点。他的作品不可以叫国画，也不能叫水墨，其实就是当代艺术。他只不过用宣纸这种载体看起来跟国画还有一点联系。其实他画的那个内容，那里面确实有中国的元素，这是必然的，因为他是在中国生长长大，一直搞中国文化，所以画里面中国元素非常多。所以说在国外它能得到专家、艺术家的认可。

　　它不是西方的，它也不是中国传统的。在刘老师可能刚开始搞这个彩墨的时候，我也提过很多建议，在画面里感到很不成熟的东西。我没有想到的是他这么快，在这么短的时间达到了这个高度，并且得到了国际最权威的艺术机构的认可，这一点确实是个突破。刚才刘佑局老师谈到我们都在船上，我感觉我们都上了刘老师设定的绿色的、可持续发展的、当代文化语境之中的这条船，只有思路改变了，宽容了，我们可能就改变了，至少被改变了，中国美术的历史一直就是这样书写的——通过吸收，取其精华，去其糟粕，才会产生划时代意义的作品。

　　张志伟（画家）

　　艺术的边界和艺术是什么？从今天的角度来说艺术和非艺术，如何来界定艺术，如何来看待今天日益复杂的现象，艺术的媒介，边界的拓展？究竟艺术还有没有边界？艺术和生活之间究竟是什么关系？其实我们过去，在一开始受教育就谈到艺术概论，很多概论都很相像，例如艺术概论、美术概论。“源于生活，高于生活”这句话要在一定的条件下才能够成立。很多情况下并不会如此。站在宏观的角度来看更加有必要，如何来理解艺术？

　　对于每一个现实中的人来说，我们比如说在中国， 1977年恢复高考以后，一直到现在30多年，培养了几千万大学生，尤其是里面的很多精英都是在科研机构、教学机构，也就是人文学科和社会学科这个领域的出版机构、新闻机构的知识分子非常多，杰出者也很多，甚至于他们的很多对于中国社会的政治见解、经济见解、文化见解，这一些方面非常难得高见地，对于我们美术领域有很大的启发。但是，有一些专家学者一旦接触到美术具体形态、语言、形式之后，往往和他们的政治见解、经济见解、文化见解相背十万八千里。

　　他们一旦接触到艺术和美术的时候，往往选择和评价变得如此的“后卫”，这种巨大的反差现象令人不得不去深思。比如说他们选择艺术，他们往往都会认为说当代艺术全是垃圾。实际上知识分子是受过高等教育的，不少知识水平是高的，素养也很高，但是他的美术上的素养和接受能力比较低。这个问题的根源在哪里？

　　西方有个传统，从西方古典文学开始，进而建立美学体系，把艺术哲学作为体系里面的一个部分。从那时候开始，每个艺术的现象是必须要站在哲学的角度去欣赏，所以他们的思想家和哲学家必然会涉猎到美术，那么这个传统，对西方学者的影响，促使他们去研究美术。

　　杨静（画家）

　　我来讲一讲吧，我本人也画画，我谈论的标题是《当代中国画的现状与发展之管窥》。中国画就是以中国特有的毛笔在宣纸上书写而总结出来的“皴擦点染,浓淡干湿”的经验，由此作出一套以形写神的理论。有人物、花鸟、山水，表现形式有写意和工笔之分，主要是以线条来表现这个艺术的形态。古人总结了勾线十八描，而这个“曹衣出水、吴带当风”，将这个线条运用到炉火纯青的地步。唐代吴道子的《八十七神仙卷》，就是最典型的线描作品。以线描、笔墨为工具，利用线条进行表现是中国画的主要特征。

　　当代中国画家都必须有诗、书、画、印各方面的修养。在宋代以前，画上是很少题字的，宋代画家大多是诗人和书法家。到了元代，开始把印章押到画上，已不仅仅是一种信物的标记，于是诗、书、画、印就像四个孪生姐妹一样，形影不离。到了明清两代，文人画垄断了画坛，诗、书、画、印结合的艺术形式也就日臻完善了，有别于西方绘画，是东方文化的主要特征。天人合一，中国画吸收哲学、宗教、音乐的精髓，其作品分能品、妙品、神品、逸品，是东方文化的结晶，其博大精深，是我们中华民族五千年的文明。所谓能品，就是画画画得很像，画得像照片一样，但是一看没有神采，这是初级阶段，写字临帖临得一模一样，没有精气神，但是外行看就觉得好。

　　现代的美术学院制度源自西方的文化史，由手工艺工匠转化为文化基因，学院派、素描、解剖学、透视学再现自然形象的真实感。世界第一所美术学院佛罗伦萨美术学院是典范。西方的美术是科学的，他们讲的解剖和透视都是科学的经典。所以我们中国人、东方人你想达到写实的油画，我们是很单调的，因为根基还在西方。中国美术学科，移植了西方的科学、理性等。当年留学法国的徐悲鸿、林风眠回国后，全力投入中国美术学院体制、教育，关键点是，他们都旗帜鲜明地批判元明清的文人画，反对书写性的国画。所以现在很多美术学院，没有书法这个课程，排挤中国画。我所遇到的很多老教授，都不会搞书法，教出来的学生，当然就不知道中国的国粹书法和中国画的精华。很多美院毕业的研究生画中国画，都是用素描的方法在涂，而不是用书法技法来写。

　　书法的线条是中国画的生命线，线条的质量是决定作品成败的因素之一，中国画接受科学、宗教等各个学科的营养；西方绘画是用解剖学、透视学等科学方法。东西方的文化有千差万别，因为我们写的是汉字，汉字引申出的线条。打个比方，老中医，你一进去就看得出来，你有没有病，血管通不通畅。线条就是中国画的血管，线条健康了，像写字，你生病了，写的字就慢慢吞吞，就表现出来了，那画就没有精气神。像很多老画家，特别是一些所谓的大名家，如果画得很差挂在那里，那就很不负责任了，所以画一定要画得很好。

　　第三点，全国美展。我2009年到北京，也经常去中国美术馆和各个场馆去看美术展，主要看全国展。美展越来越眩目的色彩和复杂的构图，有一些反映生活片段的小趣味，很多都是做出来的。美展在各个省市中的参展者中重大题材的多，重量级的作者呢，占比例太少了。特别是中国写意画很少，这是一个不好的现象。作为全国美术界的重要活动，应该更关注现实生活。现在很多人都是闭门造车。

　　接着说说文人画。古代的文人们都用毛笔写字，所以书法都写得很好，诗也作得很好。王羲之、苏东坡都是高手，在他们身上可以看得出古代的文人书法的境界是何等之高。现在提出了新文人画，画得比古代的更简单，树立起标杆，应该比古代更优秀。但新生代有些作家，打着新文人画的招牌，画一些低俗、淫乱、色情的作品，这是不负责任的，而他们把这些作品作为通向名利场的通行证，这是一个很不好的现象，应该要引起警惕。

　　吴京蓬（文艺评论家）

　　我对“绿色有约”的理解，绿色是代表清新、希望、约定，象征承诺精神。从这个角度来看，这主题应该是想表达一种建立纯净文化生态的努力。中国推动文化走向世界舞台，倡导文化走出去。其实就是对纯净文化的追求。中国当代文化的困惑在于人文主义的缺失导致，文化生态的错乱是把文化的自大当作自信。一个国家真正崛起，文明形态得到全球认可，并非GDP可以代表的，而是自身内部的文化生态是否纯净，是否尊重人存在的价值。想要形成这种生态，对内，评论家要发挥指导作用；对外，艺术家与知识分子要打破隔阂加强交流。敏锐的知识分子其实已经注意到“绿色约定”的呼唤了。