人们对艺术风格的认识与理解不尽相同，甚至大相径庭，有关风格的研究也已经有了专门的“风格学”。一般人所认为的风格与学术层面上的风格是有一定差异的，社会大众心目中的风格仅仅体现的是艺术家的个性差异和艺术作品的整体特征，比如一个画家不同于他人的表现手法以及外在特点，这样的风格会对作品的“辨识度”有较大影响。一些艺术家为了提高其作品辨识度，有时会刻意用与众不同的花样来冒充风格，他们对作品风格的价值意义也会产生错误的认识，常常会过分强调所谓风格在艺术创作中的重要性，这不但使艺术创作的评价标准有失偏颇，也贻误了不少热衷于风格表现的画家。

　　有的画家光看其单件作品还能给人以与众不同的新鲜之感，但看多了他的画作，就会觉得面目相似而没有多大意思，如果他用这些类似的作品举办个人作品展，就会暴露出风格固化的问题，并且固化的不仅仅是风格，更是艺术家的创作观念和艺术追求，是应该不断发展与提升的艺术创作。吴冠中先生在上世纪70年代就已经在其《绘画的形式美》一文中一针见血地指出了这种固化的危害：“风格是可贵的，但它往往使作者成为荣誉的囚犯，为风格所束缚而不敢创造新境。”而在当下，这种风格固化的弊病并没有得到多大改观，仍旧普遍存在。一些看似功成名就的画家，虽然他们的作品表面上有较高的辨识度，却在创作题材、表现手法等方面过早固化，这使得他们的作品即便频频出现在许多展览上，也只不过是让人觉得脸熟而已，并无真正的创意可言，无法使观众产生新的审美体验，当然也就没有多大价值。

　　风格固化使本应率性自由、充满活力的艺术创作受到了不应有的束缚。有些画家一旦个人风格为社会初步认可，就不敢再越风格的雷池一步了，在创作题材、表现手法等方面不再进行探索创新，这样的画家由此也变成了一个艺术创作的懒汉庸才。有的画家一辈子就画几种题材，绘画技法看似驾轻就熟，其实不过是在不断自我重复罢了，已经成为了一种没有什么精神内涵的程式化制作。固化的风格将艺术创作与不断变化发展的现实生活隔离开来，更让艺术家丰富多样的真情实感难以尽情表达与抒发，这也违背了艺术创作的基本规律。而无视时代发展，没有自我表现的艺术创作意义何在？

　　有的艺术作品因为所谓与众不同的风格，确实会与其它作品有所差异，容易引起人们的注意，但这种辨识度又有多大价值呢？辨识度不能仅仅体现为一种差异性，它需要通过主题选择、形式创新等得到综合呈现，而不是单一地体现为形式特点。风格应该是艺术家能力水平、性情修养等多方面的综合体现，是在其深入的艺术实践中自然形成的，而不是为风格而风格的矫揉造作，那些没有什么内涵的外在样式并不是真正的风格。吴冠中先生在《风格》一文中曾对此提出了批评：“至于艺术创作者，不少人想一夜成名，缘此，制造、标榜风格者比比皆是。” 搞出这种所谓的风格来并非难事，虽然可以当作迅速成名的捷径，却也会因为这些花样没有什么价值，而不能传之久远。如果想通过将这类风格进行固化来为世人认可，那就更是一种虚妄的想法了。

　　画家靳尚谊认为：画画是看水平，而不是看风格。正如其所言，风格并没有高下之分，并不是抽象的就比写实的高级，有了当代艺术，传统绘画就没有了存在的价值，任何风格流派的作品都有一定的创作规律和艺术评价标准，风格接近的作品也会有创作水平的优劣高下之分，固化的风格只能体现一种艺术特点，并不能作为评估艺术创作的主要价值判断。

　　成熟的艺术家都会有自己习惯的表现手法和擅长的创作题材，集中精力在某个方面做到别人无法达到的极致也未尝不可，但这并非意味着除此以外，这个艺术家就不需要不可以再进行新的艺术探索与表现了。比如毕加索的绘画就经历了写实、立体主义、超现实主义等多个时期，其绘画风格和表现题材也不断变化，而这种创新求变的精神更为可贵。

　　艺术风格之所以被一些人不恰当地固化，也是有其多方面原因的。有的画家是为了便于流水线自我复制，以获得市场利益的最大化；有的画家本身创作能力较弱，就企图以所谓风格“一俊遮百丑”；有的画家害怕风格改变后作品不被市场认可，便放弃了对艺术的探索与创新。但这种为个人名利所困的自我固化，却使艺术家的创作失去了更多自由发展的空间和机会。

　　一个有所追求的画家是不能轻易满足于现状的，更不可为所谓的风格所困。而要使固化的风格有所突破，不但需要对风格有正确的认识，正视风格固化对艺术创作产生的负面影响，还要尽量不为名利所困，这样才有可能使艺术创作进入一种更为本真的理想状态。