◆栗宪庭（艺术批评家、艺术家、策展人）

　　一个真正的艺术家必须永远坚持你个人的感觉。有过20多年当代艺术的经历之后，我越来越对现代艺术史中，杜桑和博伊斯提过的两个口号深有感触，一个是生活就是艺术，一个是人人都是艺术家。它的革命性在于，使艺术从繁难的技艺、从象牙塔中解放出来。就是说一个农民在锄地的时候，哼哼小调，他娱乐了，这就是艺术啊。艺术本来就是这样一个自我拯救的途径。但是直到现在，所有的艺术体制、艺术博物馆、艺术批评家、收藏家、艺术经纪人等等，又都在挑选艺术家，那么挑选本身，使一些人成功了，这在事实上否定了现代艺术这两个原则，把所有不成功的艺术家排斥在艺术体制之外。

　　当我们只强调大师的作品本身时，艺术史实际就变成了陈列大师完美作品的画廊，我们瞄准的仅仅是作品本身所呈现的一切：特定的审美境界、语言范式、技巧等等，而潜藏在这些作品背后的更重要的东西却被忽略了。事实上，大凡承前启后的大师，总是以他们特有的敏感，在自己的生命活动中酝酿和完成了他的时代价值体系的变化，他的灵魂运动因而也成为该时代的灵魂，作品不过是这个过程的一个结果而已。梵·高燃烧的笔触是他生命状态的表现，也是19世纪、20世纪相交的整个西方灵魂的不安；宋人悲悲切切的心态，才产生了“长吁短叹”的词的样式。

　　◆游江（深圳美术馆策展人、公共教育部主任）

　　在中国当代艺术的创作中，我们看到很多艺术家大量使用现成品进行创作，而他们与现代派以来艺术家的不同是，出于视觉性呈现的局限性，当下对于现成品的使用不再是要持续探讨艺术边界的问题，亦或是“技艺”与“观念”之间博弈的问题，艺术家也不是通过艺术作品简单地描绘和反映社会，而是在全球化的语境中，面对不息变动的世界，将自己作为方法，依靠真实的行为与过程，通过“被看见”和“意义化”的现成品，将艺术的意义最终凝结在材料之中。而这些来自于日常的材料，在艺术家的转译下，不仅超越其自身的物性，而且强化了其自身在当代社会语境中的独特性，艺术家让这些积淀着真实的本土经验的“材料”，从“背景”转向了“前景”，让原本不可见的经验获得了一种“可见性”，成为可感知的审美对象。

　　点线面是艺术构成的要素，也是认知世界的一个系统。通过创造性的转换，艺术家在作品中让“物”与人、“物”与空间、“物”与材料之间进行对话并传递出丰富的意义。从凝结着经验、情感和精神的一个一个碎片化的“点”，一定历史阶段具有趋势和线索意义的“线”，再到不断迭代的世界图景和景观社会的“面”，当代艺术家从“关系”的视角，向我们呈现了对于世界的审视、认知和思考。