虽然全民阅读活动周早已结束，全民阅读活动在全国持续深入推进，提升大众科学文化素养与文学艺术鉴赏能力，始终是这一进程的核心要义之一。其中，研读美术史论、了解美术史的发展脉络与演变，有助于涵养我们的审美眼光、避免陷入审美误区，更好地认识和感受艺术之美。

　　然而，当我们用从美术史论中汲取的养分，审视当下的赏画实践时，却发现现实往往不尽如人意。

　　欣赏绘画作品，本来是大众获得美的熏陶的一种自觉行动。然而，不少赏画者的目光却被一副无形的“有色眼镜”所遮蔽——“这是名家手笔，肯定价值不菲！”“画得跟真的一样，功夫了得！”“画幅这么小，怕是不值钱吧？”……诸如此类的评论，常从赏画者口中脱口而出。这其实是为欣赏作品提前套上了一个隐性枷锁，使我们在偏见中错失了与画作内在精神的真诚对话。

　　第一副“有色眼镜”是对名家的盲目崇拜。

　　许多人欣赏绘画作品时，第一眼关注的不是画面本身，而是急于查看画家是谁，甚至直接将画家名气及头衔大小等同于作品艺术价值的高低。这无疑是一种浅薄又懒惰的审美观。再优秀的名家，受时代背景、个人境遇、思想变化等多重因素影响，在创作历程中会经历探索期、转型期与成熟期，也有创作高峰与低谷，整体轨迹常呈现抛物线形态。因此，再优秀的名家，其创作生涯也如一条起伏的山脉，有巍峨高峰，亦有低缓谷地，并非每幅作品都能站在巅峰之上。

　　如果盲目崇拜名家、头衔，会让赏画者只认标签不辨真金，丧失独立的审美判断。更可怕的是，艺术市场上还混杂着某些名家“流水线”式的应酬之作，以及伪名家乃至许多跨界“名家”的“玩票”之作。倘若我们被名家的名气，或者头衔与职称等附加因素所误导，并以此定论作品水平高低的话，那么，便注定会与那些画家名气低微却意境十足的灵魂之作擦肩而过。

　　第二副“有色眼镜”是对“画得像”的单一迷恋。

　　“画得真像”或许是大众给予画作最朴素的赞美，但若将其奉为评判作品艺术价值高低的唯一标准，则无异于又给自己戴上了一副审美的“近视镜”。

　　绘画创作有写实、写意手法的不同，也有具象、意象及抽象形态上的差异，它们都是画家情感与精神的丰饶载体。假如我们仅以“像不像”这把尺子去衡量所有作品，那么，实质上是用写实或具象粗暴地替代了绘画艺术丰富的表达语言，暴露出来的恰恰是赏画者观念的狭隘与审美能力的贫瘠。

　　绘画艺术的核心价值远不止于对外部世界的再现，更在于对内在世界的表达——它传递情感、承载思想，凝结着画家观看世界的独特视角。当我们沉迷于追问画面“像不像”时，便不自觉地关上了与画作进行精神对话的窗口，也会与那些虽不写实或具象，却超越形似、撼动人心的作品的内在光辉失之交臂。

　　第三副“有色眼镜”是对画幅大小的肤浅执着。

　　面对一幅绘画作品，许多人会不自觉地用物理的尺子去丈量其艺术价值——仿佛画幅尺寸“大”即重要，“小”则微不足道，这实在是对作品的一种误读。

　　绘画作品的精神含量从不与画幅的大小成正比，小画幅可藏大境界，大画幅需有精气神。正如在中国展出的“俄罗斯绘画300年”展览中，那些仅有烟盒大小的作品，其饱满的情感与精湛技艺的光芒，丝毫未因小尺寸而减弱。反之，罗中立的《父亲》虽以巨幅尺幅营造了强烈的视觉冲击，但其真正撼动人心的力量，归根结底来自肖像背后那深沉的、凝聚着一个时代的精神重量。

　　因此说，画幅本无大小优劣之分，关键在于尺寸需为内容服务，与表达相得益彰。倘若仅为追求展厅视觉效果而盲目贪大，用空乏的内容去撑满庞大的画纸或画布，那么，作品便如同服装店里靠模具撑起来的样衣——看似华丽完整，内里却空洞无物。

　　摘下赏画时的“有色眼镜”，我们该如何欣赏绘画作品？

　　赏画的关键，在于回归作品本身——应以画作为核心标尺，而非以画家名气、头衔、写实技法或画幅尺寸大小为评判依据。我们必须放下先入为主的偏见，用纯粹审美的眼光去品读每一根线条的韵律、每一抹色彩的温度，用心去捕捉作品中流淌的情感与沉淀的思想。而这份鉴赏力的养成，离不开赏画者日积月累的主动阅读与不断求索：要多沉浸于经典佳作，在大师笔墨的浸润中提升眼力；要深入研读美术史论、了解美术史的发展脉络，在时代语境的回溯中理解画家创作的初心。

　　欣赏绘画作品终归是一种高雅的审美体验。只有彻底摘下“有色眼镜”，我们才能挣脱所有无形的束缚，让审美的目光抵达作品的精神内核，从而实现赏画者心灵与创作者灵魂及艺术之美的真诚相遇，这正是培育和践行社会主义核心价值观在美育实践中的生动体现。无论是写实的精微，还是写意的神韵，都将如甘霖般温润赏画者的心田。 （作者为艺评人）