以前做学生时，在外写生，先生总是告诫到：先从暗面入手，注意天地关系，远虚近实；参加工作后，我也带学生，依旧强调的是这种所谓正统的写生法则。

　　多年来，我的写生画了一大堆，现在翻看，满意的却不多。究其原因，是以往的写生观念和方法都有些问题。似乎认为油画写生就是用色彩来记录所见所感的东西（作为初学绘画者，未尝不是一种学习训练的方式）。但是，如果写生只是对景物的客观再现，仅仅只是起到摄像的作用，那实在是离艺术相去甚远。实际上，在科技如此发达的今天，纯粹的客观再现已毫无意义。而且也是不可能的。因为每个画家的气质、爱好、审美都不尽相同，因而在对客体的描绘中，定会将自己的主观审美体验和情绪自觉或不自觉地流露出来，而使客体的某些因素被强化或放大，而另一些因素则被忽视或弱化，甚至可能被“歪曲”。

　　我们应该破除对所谓正统写生方法的迷信。在绘画中，所有的景物只是画家借它来表达自己、抒发个人情感的借题，色彩和其他绘画的构成因素才是最重要的。重视造型的视觉效果是任何视觉艺术都须强调的首要规律。

　　在写生中，要善于观察。有时一处极平常的景致，你也会觉得有些“味道”，值得一画。或许是风景中黑白灰的布局，或许是色彩块面冷暖的变化，亦或是画面形体的构成，这些都有可能是使画面有“味道”的因素。画家只要在其中能表达出一二，这张写生也就算不错了。

　　赵无极先生说过：对象提供的只是抒发胸臆的启示，只是表现情感的依据，重要的是培养独到的观察，组成自己的画面。这里“独到的观察”非常重要，面前的景物，是什么使你激动，是什么使你产生“画意”，要在整个写生的过程中，紧紧抓住这个令你心动的“东西”，至于画面中的其他景物皆为陪衬，这样写生起来会轻松和随意。

　　写生中，根据风景给你的第一印象而使用适合它的写生表达方式，也是画好写生的一个关键。有时是缓缓的用笔，平平的涂色；有时是狂放的笔触，跳动的色阶，写生中灵动的用笔，绝对是体现写生作品档次高低的一个法则。

　　写生中，有时也会面对一片杂乱无章的景物，如山间的树林、杂草、乱石等无从下笔。这时，应先确定出景物的大体走向，并对它们适当地予以归类，有时是形的统一，有时是色的统一，均应根据画面的需求。还有，面对画面色相、色度都非常接近的景物，如仲夏的田头，满眼似乎为一种绿色，此时写生，一定要注意绿色之间的微妙关系，掌握不好，会使画面平淡，色彩单调。写生中对景物色相和色度作适当的强调。学会善于在大面积冷色调的绿色中，填加适当的暖色块，千万不要小看这小小的暖色块面，如果用对地方，定能使单调沉闷的画面鲜活响亮起来。

　　经过多年的写生历练，特别是近几年来对中国美学与古代画论的学习，使我在油画风景写生中悟出了一些道理：绘画的真正目的并不在于有形地反映可见之物，而在于对存在物之变化的感知。在中国画论或者是美学范畴之中“气韵生动”是一个最富于中国特色的批评概念，它可以说是中国古代绘画的第一原则。画面笔触之“气”与画面境界之“韵”，我想，在今天依然是评判我们油画写生作品质量最重要的标准之一。