祁海平1988年结业于法国专家克劳德伊维尔油画技法研究班，但是他的创作却最终远离了伊氏那种“超写实”道路。1991年他进修于中央美院油画创作研修班，创作基本定位于“音乐”题材，《协奏》、《小提琴手》、《间歇》、《室内乐》、《钢琴上的巴松》、《钢琴》等作品相继问世，然而，那种很优雅柔和的创作情调，并未持续多久，随即《黑色主题》成为画家创作中较为持久的命题。

　　《黑色主题》是一个很有意味的系列，中国画家创作，用西方油画媒材，以中国画黑白体系中的黑、白、灰为基本构成色调，以西方交响乐为表现对象。最初，还是对室内音乐演奏空间的场面概括，画面遵循客观，手法趋于印象派，效果如伦勃朗的绘画《戴金盔的男子》一般，微妙、雕琢，而又辉煌、璀璨；随后，场景逐步消失，客观远去，主观渐渐占据主导，形象愈来愈如影似幻，更为概括与单纯的方式出现，展现了一份经过理性调控后的“概括”与“单纯”的审美取向。

　　除以“交响乐”为主调之外，祁海平在不断思考着题材和手法的拓展，并加强对中国传统思想与文化表现形式的吸取，力求将东西方两种文化的认知与理解融汇在作品之中。或许，这是中国油画家们的必然回归？1998年，祁海平分别创作了《诗》、《词》系列，其后又创作了《生》系列。从形迹上分析，这些画完全是由宽大笔触带动起来的肌理攒集。油彩交叠处，波澜浩浩，激流湍湍，笔迹冲突的画面一如浪涛奔涌，又如曲调各异之旋律，忽而悠扬婉转，忽而静谧平和，忽而激越昂扬。

　　祁海平说：“2005年以后，我从《易经》里的‘天地氤氲，万物化醇’获得启发，创作《氤氲图》系列作品，这些作品把原有的音乐情感的表达与天地本源之气混为一体。”中国人的宇宙观源于《易经》，而《易经》中心论点即“阴阳”说。老子认为“万物负阴而抱阳，冲气以为和”，均表明天地万物由阴阳二气化生而成，宇宙的“阴阳”、“虚空”是万事万物的源泉与根本。在祁海平看来，阴与阳，有与无，实与虚，黑与白，相反相成，互为表里，体现着事物存在的基本辩证思想和具体表现规律。所以，除了在创作中用黑与白为基色之外，他还努力从中国文化与传统经典中寻求创作源泉，如《诗》、《词》色彩采用了青花瓷一般的蓝色调，抒情而优雅；如受到庄子《齐物论》启发创制的《庄周梦蝶》组画，等等，以更抽象化的表现手法表达具有中国化的精神意象。

　　同样是运用黑白，西方抽象表现主义画家克兰、马瑟韦尔、托贝等人的画风较为接近中国的书法趣味，而祁海平对于这些有着更亲缘的文化底蕴和更切实的体会。他的画不仅注重视觉感受，更希望在画面上表现音乐感，希望达到心手双畅、心画合一、物我交融的境界。他说：“人生有许多内心感受是看不见的，但音乐让我‘看见了’。”所以，他最初表现的是交响乐的真实场面，但最终将那种客观的“真实”隐去，将那种实际的宏大的音乐表演空间衍化为抽象的绘画表现空间，用可视的绘画表现不可视的、抽象的音乐感受，从而在画面上呈现一种视觉上的音乐感和音响效果。

　　祁海平认为自己“写实-表现-抽象”的道路是遵从了“感觉的引领”，而艺术家“不能依靠惯性麻木地进行创作，也不能为改变而改变。改变是为了寻求更加合适的表达方式，如果表达方式与内容相适应时就不需要改变，这与单纯为了保持风格是有本质区别的。”“我总在不断地思考着表达的内涵，心中常常涌现各种表达方式，在“乱七八糟”的线条中搜索着新的意象。但我往往并不急于马上做出来，而是要在心里沉淀一段时间，直到它自然而然地流淌出来。”他对书法、音乐乃至建筑多有涉及和研究，并进行书法和水墨画创作；他欣赏黄宾虹，欣赏那种黑白世界里浑浑莽莽的大意象、大状态、大笔墨，并力图在油画创作中体现中国艺术精神的写意特质。

　　对于黑白体系的认同以及个人创作意图的把握，祁海平有两段话很有总结性：

　　“知其白，守其黑，为天下式。”多年来我一直在黑白抽象领域里耕耘，以中国文化哲理为基本理念，以太极图式的演变为形式规律，以书法笔墨语言的结合为表现方式，演绎世界的千变万化和精神世界的丰富多彩，正所谓“吾道一以贯之”。

　　艺术的道路有很多，我的追求只是根据自己的爱好作出的选择。我既不想成为时尚的急先锋，也完全不担心自己会墨守成规，只管一往无前地走自己的路。