编者按：随着首届吴山明名家工作室的结束，我们已经启动了新一期的招生。到目前为止招生情况十分火爆，但在其中，我们发现了一个有趣的现象——在报名表中看到了很多老学员的名字。这种现象的发生让我们很是为难，按照招生的标准，他们的水准没有任何问题。但由于人数限制，我们又希望给更多人贴身传教的机会。这是一种幸福的烦恼，究其原因，不外乎吴山明与教学团队的兢兢业业。但深究其原由，最有发言权的除了吴山明，便是《美术报》吴山明工作室的教学主导池沙鸿。向其约稿，很快交了稿，这让编辑非常惊讶，问其由，答曰：全身心，感触深，所以一气呵成！

　　我们相信这样的状态一定会延续到新一期的吴山明中国画工作室中！

　　2013年3月，吴山明老师找我，要我和董文运一起担任美术报名家工作室·吴山明工作室的主导教师。老师提出结合浙江省中国人物画研究会、浙江画院和中国美术学院三方面在创作、教学方面的特点，以浙派人物画创作为基本方向，以人物画创研为目的，不能做成一般技术性的培训。

　　作为社会办班，我们注意了几个问题：1.学员来自全国，审美观念的差异较大。所以，我们必须有很大的包容度，杜绝门户之见，多分析，以差异见特点。2.学员都是成年人，有稳定的绘画习惯。有的仅希望画得好一点，未必认真考虑创作问题，水平差异较大。为此，我们须因人施教，在打开眼界、梳理创作观念、拓展创作习惯，在推广浙江绘画注重学养要求的优势上下功夫。3.学员在各地都有一定的社会影响，久疏比较严苛的专业批评。因而，我们以研讨式辅导为主，循序渐进。4.学员平时工作繁忙，会很珍惜面授时间。为此，须保持面授内容的丰满，有针对性。同时制定离班作业，对面授之外的时间有明确的训练要求。采风课程不占用面授时间，学员们自行自愿组织加课活动，我和董文运保证义务参加。

　　两年的教学，我们围绕着三次创作进行大运动量的作业，多学科全方位地跟进。第一次创作以六尺整纸对浙派人物画的笔墨表现进行体验。第二次创作恰逢第十二届全国美展前夕，创作遵循全国美展规格。绝大部分学员首次接触如此大幅面的创作，夜以继日，结果全班有5件入选各地的省展，2人入选全国展。第三次为毕业创作的系列作品，确定个人毕业后一个时段的创作方向。为保证创作的质量，我们跟进了一批辅助课程：1.书法作业贯穿始终，中国画的根本语言审美在于用笔，以及伴随着用笔的水墨意蕴，书法是基本功；2.安排人物画工笔、小意笔、大写的课堂写生，辅之速写、临摹名家作品、默写，训练造型理解、造型强化、神态表现和笔墨表现的综合能力；3.安排意笔花鸟画学习，强化对用笔质量和笔墨关系的审美意识；4.安排完整临摹宋元大幅山水画，强化对静心、造境、诗化的体验；5.由学员徐峰平、范敏祺、王冬炎、徐玉武（范杨山水工作室学员）和吴明儿联系组织，安排五次面授时间之外的采风写生，训练对自然万物、社会民风、生命存在审美的敏感性，超脱于写生之外的文化体验，提倡热爱生活，以平等心和平常心对待世界，从而提升在日常生活中对创作动因的捕捉能力和有感而发的创作初始动力；6.安排绘画创作谈、国学基础、文学欣赏、庄周对中国画的影响、中国画题款、中国画工具特性、佛教绘画、主题性创作、宋元绘画欣赏、当代名家系列作品（包括油画）分析、画家自述、名家示范、瓷画体验、寻找适合自己的艺术语言等多种课程，推介徐复观《中国艺术精神》一书，还举办了两次讨论课，激发大家的思辨和主观意志。课程设置是想完整地提供一个真正创作者应该具有的生活方式，推崇活到老学到老，推崇四分读书、三分写字、三分画画的画学功夫，推崇艺术就在生活中的创作理念。

　　吴山明老师根据教学进程决定增减课程，调整内容。还不辞辛苦在规定的面授课程之外到浦江和临安的学员采风地具体指导。循着他的号召力，本届教师团队尽心尽力，参与者有吴静初、吴宪生、蓝承铠、尉晓榕、徐默、王作均、陈虹、何士扬、茹峰、袁进华、陈经、黄骏、李桐、王霖和美术报安排的理论共同课教师。学员们勤奋好学，互相帮助，其中感人之片段不绝。他们之中不乏行业翘楚，所谓教学相长已经把一个有着契约的社会培训班演变成一个有着家庭意味的团体，并以每个人的专业进步共筑起一种荣誉感和激励机制。这是出乎我参与教学预期之外的特别收获。

　　第一届的两年教学中，我们全部的用力归结在创作思维和绘画能力两方面。对于第二届的教学，吴山明老师和我仔细分析探讨，认为依然存在硬质问题：

　　第一，大部分画画的人把画画作为手艺，而不是把画画作为生命表达的语言，即使把画画上升到事业的高度，依然被“创新”、“个性风格”的意念困扰。很难达到 “外师造化，中得心源”的自然境界。所以,应该把画画作为心的表达、生命存在的表达。以此为目的，大力训练表达能力，求“技进乎道”，化无法之法。 “创新”和“个性风格”随着艺术表达的过程，自然实现，而非求得。缘此,在接下去的教学中，眼界、学养、生活、自然、读书、感悟、观念，应该成为教学的关键词。

　　第二，依西画写生观念，眼前万物皆能画。依晋代谢赫六法之“应物象形”，中西在绘画描绘对象这一点上概念一致。而当代中国画中存在画家“能画此物不能画彼物”的问题较多。我们在创作课程中遇到过这一问题，而我以往所接触到的花鸟画家、山水画家中这一问题会更严重。问题产生的原因，一是因为宋元以后渐渐严重的人山花分科，造成先天的作画格式的局限。二是因为文人艺术发展中轻视绘画技术的普遍观念。三是因为“从临本到文本”的学习方法，演化出写生和创作依然循着胸中文本的特质，使得“外师造化”在很多画家心中仅是借题而已。不可否认这三个原因的存在价值和特殊审美意义。但大多数中国画家都走入这样的小路，无异于泯灭无数个体的艺术生命，萎缩本该作为基础的多种绘画能力。我们在欣赏宋元绘画时，在浏览宋元以后大师作品（比如陈洪绶、任伯年、齐白石、陆俨少等）时，都会感受到先辈们进入化境的强大绘画能力给生命表达带来的自由宽度和审美多样性。那才应该是一条中国画的阳关大道。

　　吴老师和我在中国画上的默契可能缘起于他1960年进入浙美学习时没有人山花分科，我入浙美77届时也没有分科。我们都认为人物画、山水画和花鸟画是必须掌握的科目之一,没有主副之分。我们所受的是完整的，诗书画印一体的，学养为重的绘画教育。我们都努力成为一专多能的中国画家，仅仅是情感和喜好偏向于人物画创作而已。

　　不把中国画作为科目，而作为艺术语言。回到艺术的原点，回到上古的宽阔，回到大自然中，回到每个人内心的自由中。为了言能达意，必须锤炼很强的语言表现能力。为此，吴山明工作室提出第二届创研班的内容变“人物画”为“中国画”，想从培养中国画家的角度进行探讨。当然，产生实际困难的可能会有很多。比如老师和学生们、包括我们自己的某些习惯性思维、上百年的中国画格局、不可预计的报名者实际能力、教学中各科老师间的默契、课程安排的合理性等。但我相信，我们的努力一定是有益的。因为我们的教学是与学员一起激发创造潜能和独立精神，强化学员的语言表达能力，探讨适合每位学员的不同方法和路径。

　　吴老师有很多想法，这些想法诉诸实践必定有一个多变的过程。我想，这个过程一定很有意思，一定能让参与这个过程的全体师生有难忘的收获。