《当代艺术的主题：1980年以后的视觉艺术》（Themes of Contemporary Art：Visual Art after 1980）一书围绕当代艺术创作的七大主题，对过去几十年间当代艺术发展状况和相关问题进行了深入的分析和探讨。该书由美国艺术理论学者简·罗伯森（Jean Robertson）与克雷格·迈克丹尼尔（Craig Mc Daniel）共同撰写，并于2005年由牛津大学出版社首次出版，后于2011年由匡骁翻译，并经江苏美术出版社在国内出版，本人阅读的也是此版本。

　　首先，该书的确如作者在导读中所言，是一本“通俗易懂”的当代艺术理论著作。这种“通俗易懂”，并非指行文用语的浅白友好，而是来自书中大量具体的当代艺术案例，以及作者独特的研究角度和研究定位。因为无论对于公众、艺术家还是学者而言，“当代艺术是什么”都是一个极其复杂的问题。公众在面对当代艺术作品时的抽离和困惑，其实更多来源于他们不清楚艺术家“为什么这么做”。而该书作者却故意绕开复杂的概念界定，将研究的重点放在了当代艺术的主题上，告诉读者当代艺术家们“在做什么”以及“为什么这么做”，这便为读者很好地理解、接受当代艺术提供了可行、有效的路径。

　　简·罗伯森和克雷格·迈克丹尼尔将“决定性主题”作为研究核心，是该书最为重要的贡献之一。从当代艺术发展的时代背景来看，在经过了现代艺术对于形式语言的极致追求之后，艺术家们发现离开社会生活，完全为“艺术而艺术”的探索虽然为艺术发展带来了翻天覆地的新局面，但也同时关闭了艺术对于内容和内心表达的更多可能性。上世纪60年代的波普艺术出现后，景观社会中的图像内容与观念交织在一起，越发凸显出形式主义的局限性。今天的艺术家们已经不再满足于对技法和材料的纯熟运用，或是个人情感的抒发。因为，在这样一个风云涌动、日新月异的全球化时代，有太多值得关注和思考的问题，并且这些问题无一不是能与艺术家个体的当代体验融为一体的，这也是为什么作者会选择上世纪80年代作为研究起点的原因。

　　在《当代艺术的主题：1980年以后的视觉艺术》一书中，作者围绕“身份、身体、时间、场所、语言、科学和精神性”这七大主题，对于从1980到2008年间当代艺术的相关问题进行了分析和探讨。其实这些主题并非当代艺术特有，而是一直以来艺术创作的显性主题和共性视角。只是，当审美不再成为当代艺术的核心评价标准后，观念和主题就变得更为重要，而这种重要性对于艺术家和公众来说一般无二。就艺术创作而言，“做什么”比“做成什么样”更重要；对公众而言，是否了解主题，则决定其对于当代艺术作品的欣赏、理解甚至介入的范围与可能性。虽然研究时间止于2008年，但书中所涉对于今天我们解读当代艺术仍然具有积极的参考价值。

　　其次，从该书的内容框架来看，第一章主要对过去30年间当代艺术的基本发展状况进行了总括，并总结了其中的五大特征：1.传统媒介仍很活跃、新媒介也引起轰动；2.国际范围内艺术形式百花齐放；3.全球化冲击艺术实践和经济要素的作用；4.理论产生强烈影响；5.艺术通过各种形式同当代流行文化相遇、融合。第二章到第八章则形制相同，分别透过不同的关键性主题来勾画当代艺术实践。其中每章还会选取最有代表性的艺术家，研究他们如何用自己的创作活动对这些当代艺术主题做出回应。

　　与布莱顿·泰勒（Brighton Taylor）、朱利安·斯托拉布拉斯(Stallabrass.J.)和伊莎贝尔·德·梅森露奇(I.DeMaison Rollge)等人的当代艺术理论著作相比，《当代艺术的主题：1980年以后的视觉艺术》一书的结构略显松散，但却也因此形成了自己的特点，给读者提供了良好的阅读开放性。首先，虽然书名在副标题上有“1980年以后”这样明确的时间节点，但实际上该书并没有以时间顺序为线索，梳理当代艺术的发展历程。因为在当代艺术发展短短的几十年时间里，已经呈现出极其丰富多元的表现形式和创作手段，确实也很难用简单的“风格”或“运动”来总结、描述其整体面貌。而作者也没有尝试采用媒介分类的方式展开叙述，虽然在书中每个章节作者都尽量通过分析各种不同案例，尝试探讨更多的创作媒介，但其核心内容仍然是透过这些个案，聚焦其中的共性主题。其次，全书从第二章到第八章的这些章节之间本身并没有顺序上的相互关联，是各自相对独立的主题类别，虽然缺了环环相扣的乐趣，却也在阅读过程中可以根据主观意愿随意选读，这也给读者带来了更大的阅读自由度。

　　此外，该书的研究范围还主要集中在西方，甚至可以说是以纽约当代艺术为主要研究核心，这在研究样本多样性和整体性上就可能略有不足。毕竟，当代艺术本就是全球化的产物，只有多元融合才能尽可能反映当代艺术的全貌。