绘画，尤其是中国画讲究的不是对事物简单的记录和描绘，而是要对描绘的对象进行概括提炼，显示出物象的特点和精神来，简单地说就是画出神韵来。“似与不似”就是神韵的最好诠释，此话出自国画大师齐白石先生。他在论画时最出名的就是：“画妙在似与不似之间，太似则媚俗，不似则欺世。”这句话说出了中国画和西洋画的不同之处，中国画讲究气韵，以神韵吸引人，让欣赏这幅画作的人有很大的想象空间，可以通过自己的眼睛，结合自己的生活经历理解创造，从而得到与其他人不一样的感受。从中我们看到了齐白石先生的妙语连珠，也让我们领悟到了齐白石先生的画在随意而作之中的简括大气、朴直拙真，师法自然而又概括自然到了随心所欲的境界。

　　“似与不似”就是要减少枝节，直接抓最重要的事物，找到物象的特点。有了形，神韵才有表现的基础，苏东坡说：“论画以形似，见与儿童邻。”清代的邹一桂也说“形之不存，神将安附？”只有形状而没有神韵，物象就会显得死板、僵硬。 “似与不似”不是不要形状，而是要以形写神，南北朝的范缜就说过：“神即形也，形即神也，是以形存则神存，形谢则神灭也。”基本的形象都没有了，神韵又从何来呢？黄宾虹先生在回答什么是“妙在似与不似之间”时说：“画有三，一绝似物象者，此欺世盗名之画，二绝不似物象者，往往托名写意，鱼目混珠，亦欺世盗名之画，三唯绝似又绝不似物象者，此乃真画。”

　　由此看来，似与不似之间的关系其实就是具象与抽象之间的关系。我国传统绘画中的气韵生动是什么？举例来说，都是要表现山水或者花鸟，有气韵生动和没有气韵生动就是不一样，具象和抽象之间或和谐或矛盾，美与丑的元素相互作用。我们将附着在物象本身的美抽出来，这些元素是有可能抽象出来研究比较的，将构成美的因素和条件抽出来，那么这些因素和条件就脱离了物象本身，因此就是抽象的了，虽然它们也是物象的一部分。绘画大师黄宾虹先生晚年的作品就进入半抽象的境界，相比之下，早期作品就太拘泥于物象，过多地受到了物象的拖累，被物象掩盖着的美的因素没有被充分提示出来，气韵也不是很生动，不及晚年作品那样入神入境。

　　“似与不似”在文人画作品中显得尤为突出，文人画作品的优劣各异，不能一概而论，其中好的作品是抓住了具象与抽象的结合点。明末清初的八大山人就是极佳的代表，他是我国传统画家中进入抽象美领域最深远的人，凭着黑白墨趣和线的动荡，表达了他内心深处的不宁与哀思。他一反常规和常理，在具象中不追求固定的形象，只是要表达一种流畅的感觉，比如石头在他的笔下就往往头重脚轻，下部甚至是尖的，它是停留不住的，势必要滚动的。他笔下的瓜也放不稳，浅色椭圆的瓜上爬着一只黑色椭圆形的鸟，而瓜蒂与鸟眼的配合，又构成了太极图案式的抽象美。他画松树到根部偏偏狭窄起来，大树无根基，欲腾空而去。

　　“似与不似”寻求的是中间状态的一种平衡，这种契合点是中国古代传统美学的特征之一。