唐宋在写实状物上已达到历史的顶峰。宋画，客观里带有主观；元画，以主观为主又带有客观，都是以单纯色彩来表现绚烂世界。

　　绘画不仅是表现外在的感受形式，还是解放灵魂的一种活动。还有人认为它是“创造幻觉”的雕虫小技。

　　绘画上有一条，就是有艺术审美且敢画，所谓“无胆则笔墨为缩”。但假如你缺少文化，就会缺少精神、缺少深入，更谈不上内涵。因此就会在形式上追求表面化、工艺化、漫画化，用笔也会比较荒率，笔墨语言也会显得表面化而缺少厚度和趣味，更谈不上表现思想、意境。

　　天才是一方面，功力是一方面，中国人讲究功夫、功力，一定量化后才会有笔踪墨迹的可欣赏性。世上有许多事可以学而不会，不学而会。有人画了几十年仅仅是一个有功力的画匠，离那种“带有天才的创造”还不知有多少之遥，“艺术是有意味的形式”。搞艺术天赋是很重要的，更重要的是要全面，要有高度、难度。举凡颇有名气的画家，几乎都有假画行世，但难度高的，赝品仿得差且少；相反，难度小易摹而名气大且又有市场者，赝品满天矣。

　　中国人讲精，要精到极限。功夫达到极致，而后才可以立精神。搞艺术要达到大智若愚，要从长远上来考虑，这是大家的角度。短距离、眼光短只是小聪明。当“先器识而后文艺”，一味地继承是不对的，而应以现代人的眼光重新理解传统。中国的文化是积累的，没有传统谈何创造？

　　“今天的创造不一定是明天的传统”，好的是可以遗留下来的。别管你多年轻，你一定要站在历史的高度上看问题，不要被古人的一座座高峰吓倒，爬行其山脚之下。传统绘画语言的演变，梁楷、青藤、白阳、八大，中国画的笔墨、章法，逐渐从对象形象上分离出来，取得了相对的独立性与越来越丰富的审美内涵、表现方法，从小写意到大写意，在作品中笔墨、章法直接抒发作者性格、情感的主观成分越来越多。美有至美，大有至大，刚有至刚，因此中国绘画及文化的内涵无所不包。

　　中国画笔法与自然物象的结合，是一个核心问题。讲究平面就要注意笔墨范围之外的空白形状，也要注意笔墨范围之内的网状空白之美。空白的变化除大小虚实外，还有渐变和突变。下棋高手善于用松，一个松字最重要。敢于松开，敢迈出去，对整体格局的把握非常重要，能松就占得空间大。点要画在边上，突出的地方，比如兰花，心点在边上而中间虚空，显得更空灵。再比如放牧的群羊，重点看头羊，如后边比较大的片状如白云白雪之物即都是羊了。这一点在画山水中尤其如此，边结实，中间放松，要含蓄。到处干湿浓淡变化，等于没有浓淡干湿变化，即平了。一幅画中可以没有干墨，那就在浓淡、空白、穿插关系上做文章。书法的训练正是为了掌握点线的使转变化、交错排列，也是造型观念。它还代表用笔的节奏、势，以及当时创作的情趣。

　　西方美术史家苏立文说：“几乎所有的传统国画作品都是累积经验的一般化、精纯化，而不是对某种特殊经验的反映；都是表达永恒的观念，而不是记录短暂或偶发的事件。”西画感觉主要表现特定客观环境，直接感受较多；而中国画是借助于客观环境，而主观加工较多，提炼要高，较多融入主观内涵。