当下的基础教学，该怎么去教？我们今天对基础已经很难下一个具体的定义。当时去参与教程改革的时候，初始的出发点是我们不应当完全代替学生去做判断。所以就按照美术史的线索设置了不同的课题，让他们多一些选项，而不是单一的、狭窄的路径。每个教研室设置的课题跟美术史某一段时期的变化有关系，包括我们维度转换教研室，它承接下来的就是从现代主义之后到当代艺术。

　　我们课题里面最关键的就是转换的问题，我们这个课程需要绘画，但是这里的绘画不是作为目的而是手段，作为训练思维的方式。也可以写生，我们要求的方式是，可以采用所见物象的造型、颜色，但是不能在同样的形态里面，去完全模仿它，需要把里面的关系替换掉。做这个尝试，也是为了让学生不要简单地去迷恋一个描摹对象，满足于通过写实地模仿它带来的快感。而应当在这个过程中，去找到一个感兴趣的接受方式，并建立起自己和对象的独特关系。上课时也反复地提到，看见不只是一个物理现象，而是因为我们观念地看的时候，才会有所发现。要解决这个问题，按照传统绘画方式，还是要观察对象，但不要只是再现，而是要去转换或者替换它。通过这样一个训练，我们就可以进入用物象、物品、现成品来转译这个路径。我经常举这么个例子：把所有的物象，都当作平常绘画使用的颜料。

　　有的学生可能从小就开始喜欢绘画，有的可能半路出家，大家起点不一样。但到了大学还是可以重新来，每个人都有刷新自己的机会。他后来对绘画不感兴趣了也没有关系，问题是不用颜料了你怎么做艺术？起码在这里他们知道了还有另外的可能。甚至最后的作品也可能都不重要了，通过这个过程激活他的思维，用这个思维去拥抱新知识，我觉得更重要。不必期待每个学生都成为艺术家，关键是他将成为怎样的一个人？这才是关于美学教育的本质。刚才谈论到我们不再按照以往的方式教学，学生也不应该被动接受或者等待灵感降临，而应当创造条件主动地工作。按照这个思路，就要有工作方法，工作方法不是说有现成的，需要训练。我们提供一个可参考方式，看到什么感兴趣的东西收集起来，记录下来，形成整理的习惯，过程中自己的敏感点会浮现，如果重复出现的时候，这跟你肯定是有关的，然后去分析它，把它转换出来，变成一个作品，呈现这些感知。前前后后一步步推进，我们比较提倡这样的方式，怎么主动工作。

　　当然，未来随着虚拟技术的发展，会让我们感知世界的方式发生改变，就像延伸我们的触角，那个时候谈论非视觉文化将会变得非常重要。视觉的超越并不是光在谈一个技术发展的逻辑，技术是科学家去研究，但是在艺术创作里面，就算呈现出来是视觉的，但是体现的意图可以是超越视觉的。这是我们这个课题谈论的背景，怎么去做这个努力？